Ya la penúltima parte de este reto, voy a extrañarlo. Gracias a el he visto muchas películas que, o bien nunca me animaba a verlas, o que las encontré por casualidad y me han gustado.
Pero pasémos a ver cuáles han sido las escogidas...
- Una película con críticas malas: “Lost River”
Lost River
EEUU, 2014; Duración: 95 min., Director: Ryan Gosling, Guion: Ryan Gosling, Música: Johnny Jewel, Reparto: Christina Hendricks, Saoirse Ronan, Iain de Caestecker, Matt Smith, Eva Mendes, Ben Mendelsohn, Barbara Steele, Reda Kateb, Demi Kazanis, Carey Torrice, Torrey Wigfield, Garrett Thierry.
Género: fantástico, thriller.
Sinopsis: La historia tiene lugar en el entorno surrealista de una ciudad que se desvanece. Cuando un adolescente descubre un camino secreto hacia una ciudad subacuática, su madre se ve arrastrada a un macabro submundo de fantasía.
![]()
¿Por qué la he escogido?: pues porque tenía malas críticas… y porque por el tráiler, a pesar de lo que habían dicho, me parecía interesante. Pero no, los críticos tenían razón XD
Lo mejor: pues diría que su ambientación, su tratamiento del color, su aire a fábula macabra y oscura… pero, como copia tan descaradamente de otras películas y directores, no sé si tomarlo como mérito suyo…
Los actores hacen lo que pueden con lo que tienen.
Lo peor: pues que es aburrida, aburrida… y se hace eterna (y no es larga), a pesar de un inicio prometedor. Copia de aquí y de allá, en especial a Lynch y su mundo onírico, pero obviamente se queda en la mera copia.
El guion va de aquí y allá dando tumbos y aburriendo al espectador, que me da igual que me digan que es como un sueño, sueño es el que da la película. Que me monto yo (y seguro que vosotros también) películas surrealistas en mi cabeza mientras duermo más entretenidas y acojonantes que esto.
En definitiva, un despropósito copión. Y oye, ¿ese espectáculo gore era un 'homenaje' a“El mago del gore”?
Conclusiones: no sé qué narices esperaba de una película de Ryan Gosling, sinceramente. Es un actor al que no soporto (sus, normalmente, películas ñoñas me producen urticaria. Y cuando va de alternativo, sopor y aburrimiento) y los críticos han tenido razón al llamarle pedante, carente de ritmo, pretencioso, caótico, rimbombante, un ‘quiero serlo todo y no soy nada’ y demás lindezas… igual se pasan, pero algo de razón si tienen. Yo no la recomiendo, al no ser que sufráis de insomnio.
- Una trilogía: la trilogía del dólar. “Por un puñado de dólares”, “La muerte tenía un precio” y “El bueno, el feo y el malo”.
¿Por qué la he escogido?: porque es una trilogía genial, me apetecía mucho volver a ver mi querida
“El bueno, el feo y el malo” (aunque la veo de vez en cuando, y hasta la reseñé ya por aquí) y así, ver ya
“Por un puñado de dólares”, que era la que me faltaba del trío.
Por un puñado de dólares
(Per un pugno di dollari)
Italia, 1964; Duración: 95 min., Director: Sergio Leone, Guion: Sergio Leone, Víctor Andrés Catena, Jaime Comas Gil (Historia: A. Bonzzoni, Víctor Andrés Catena, Sergio Leone. Remake: Akira Kurosawa, Ryûzô Kikushima), Música: Ennio Morricone, Reparto: Clint Eastwood, Marianne Koch, Gian Maria Volonté, Wolfgang Lukschy, Sieghardt Rupp, Joseph Egger, Antonio Prieto, José Calvo, Margarita Lozano, Daniel Martín, Benito Stefanelli, Mario Brega, Bruno Carotenuto, Aldo Sambrell, Raf Baldassarre, Luis Barboo, Frank Braña, José Canalejas, Juan Cortés, Álvaro de Luna, Nino Del Arco, Jose Halufi, Lee Miller, Antonio Molino Rojo.
Premios:
1964: Sindicato Italiano de Periodistas de Cine: Mejor Banda Sonora, 2 nominaciones.
Género: western, Spaghetti Western, remake.
Sinopsis: Tras la muerte de Juárez, en México dominan la injusticia y el terror. Joe (Clint Eastwood), un pistolero vagabundo, llega al pueblo fronterizo de San Miguel, donde dos familias se disputan el control del territorio, y entra al servicio del clan Rojo. Una noche, es testigo del intercambio de oro por armas entre mexicanos y soldados de la Unión.
Remake en clave de western de "Yojimbo", de Akira Kurosawa.
Lo mejor: el Spaghetti Western daba el pistoletazo de salida de la mano de Leone con este divertido western, a partir de aquí, empezaron a salir un montón. Además, Clint Eastwood comenzaba a crear su leyenda de pistolero del oeste. Ese hombre sin nombre, vestido con poncho, un puro siempre en los labios, su actitud chulesca y con mucha mierda encima (antes, los protagonistas de los westerns iban inmaculados).
Pero además de crear al mítico personaje, todas las claves del cine de Leone estaban ahí, desde sus planos, pasando por sus historias y la BSO del gran Morricone.
Pero no sólo hay que remarcar a Clint, también tenemos al estupendo Gian Maria Volonté, al que veríamos también en la siguiente película…
Inolvidable la escena en la que el personaje de Eastwood se crea su propia armadura.
Lo peor: es la menos divertida de las tres de la trilogía, también la más sencilla, pero poco más.
Conclusiones: imprescindible, marcó una época, creo escuela y desarrolló a uno de los personajes más carismáticos del cine.
La muerte tenía un precio
(Per qualche dollaro in più)
Italia, 1965; Duración: 130 min., Director: Sergio Leone, Guion: Sergio Leone & Luciano Vincenzoni, Música: Ennio Morricone, Reparto: Clint Eastwood, Lee Van Cleef, Gian Maria Volonté, Mara Krupp, Luigi Pistilli, Klaus Kinski, Joseph Egger, Panos Papadopulos, Benito Stefanelli, Roberto Camardiel, Aldo Sambrell, Luis Rodríguez, Tomás Blanco, Lorenzo Robledo, Sergio Mendizábal, Dante Maggio, Diana Rabito, Giovanni Tarallo, Mario Meniconi, Mario Brega.
Género: western, Spaghetti Western.
Sinopsis: Dos cazadores de recompensas que buscan al mismo hombre deciden unir sus fuerzas para encontrarlo, aunque las razones que los mueven son completamente diferentes.
Lo mejor: que ahora sumamos a la ecuación vencedora de Leone al estupendo Lee Van Cleef (que se convirtió en un indispensable del western mediterráneo), y seguimos con Gian Maria Volonté como malo malísimo.
La historia es mucho más divertida y se ahonda más en el desarrollo de todos los personajes (estupenda la presentación del coronel Mortimer y sus motivaciones). Hay buena química entre Eastwood y Van Cleef (dos personajes muy opuestos, que no paran de lanzarse puyas, pero con el mismo objetivo final) y el personaje de Gian Maria Volonté de malo es perfecto. Me encanta su manera de matar con el reloj, es buenísima.
El duelo final es impresionante y ¿Qué decir de la BSO de Morricone? Impresionante.
Lo peor: nada.
Conclusiones: Leone lo volvía a conseguir con la segunda parte de la trilogía del dólar, más entretenida y definida que su predecesora y con todas las señas de identidad del director. Volvía a crear otro personaje mítico, encarnado por Lee Van Cleef.
El bueno, el feo y el malo
(Il buono, il brutto, il cattivo)
Italia, 1966; Duración: 161 min., Director: Sergio Leone, Guion: Agenore Incrocci, Furio Scarpelli, Luciano Vincenzoni, Sergio Leone (Historia: Luciano Vincenzoni, Sergio Leone), Música: Ennio Morricone, Reparto: Clint Eastwood, Lee Van Cleef, Eli Wallach, Aldo Giuffrè, Mario Brega, Rada Rassimov, Luigi Pistilli, Aldo Sambrell, Enzo Petito, Claudio Scarchilli, Al Mulock.
Género: western, Spaghetti Western.
Sinopsis: Los protagonistas son tres cazadores de recompensas que buscan un tesoro que ninguno de ellos puede encontrar sin la ayuda de los otros dos. Así que los tres colaboran entre sí, al menos en apariencia.
Lo mejor: mi favorita de la trilogía y, sin duda, la más conseguida y redonda de las tres. Para esta ocasión, añadimos a la ya ecuación vencedora de Clint Eastwood + Lee Van Cleef, al estupendo Eli Wallach. Actor al que le dan el mejor personaje: Tuco. Un tío pícaro y sinvergüenza que aporta el toque cómico y cínico a la película. Es el personaje más maduro y desarrollado de todos, del que conocemos su vida, sus motivaciones y gracias a ello tiene un abanico más grande de actuación. Él es el auténtico protagonista de la cinta. Mientras que los personajes de Eastwood y Van Cleef son bastante más planos y se quedan en: Clint como acompañante de Tuco (aunque esto le doliese a Eastwood) y en Van Cleef como el malo de la película.
La BSO es una pasada, mítica ya del género, y compuesta de nuevo por Morricone.
La historia es muy entretenida y divertida, añade el humor y la atoparodia y se pasa volando a pesar de ser larga (3h si ves la versión extendida). Cuenta con los habituales planos de su director y tiene escenas y frases muy míticas que ya forman parte de la historia del cine.
Lo peor: nada de nada.
Conclusiones: la mejor de la trilogía sin ninguna duda, la incorporación de un actorazo como Eli Wallach, con un personaje aún más definido y carismático que los anteriores le da un punto especial que no tenían las dos anteriores. Parecía imposible, pero Leone volvió a crear otro personaje mítico.
Sin duda, una película que hay que ver y de la que ya os conté todo en la reseña que escribí en su día, que podéis verla
clicando aquí.
- Una película estrenada en el año que naciste: “Los ojos del diablo”
Los ojos del diablo
(Due occhi diabolici / Two Evil Eyes)
Italia, 1990; Duración: 120 min., Director: Dario Argento, George A. Romero, Guion: Dario Argento, Franco Ferrini, Peter Koper, George A. Romero (Historias: Edgar Allan Poe), Música: Pino Donaggio, Reparto: Adrienne Barbeau, Ramy Zada, Bingo O'Malley, Jeff Howell, E.G. Marshall, Harvey Keitel, Madeleine Potter, John Amos, Sally Kirkland, Kim Hunter, Holter Graham, Julie Benz, James McDonald, Jeff Monahan, Christina Romero, Peggy McIntaggart, Jonathan Sachar, Tom Savini.
Género: terror, película de episodios.
Sinopsis: Adaptación de dos relatos del escritor norteamericano Edgar Allan Poe (1809-1849). En el primero ("La verdad sobre el caso del señor Valdemar"), un viejo millonario sobrevive a la muerte a través del hipnotismo. Su esposa, una mujer más joven, planea con su amante mantener al marido con vida hasta que redacte su testamento.
En el segundo ("El gato negro"), un reportero gráfico mantiene una relación con una mujer, amante de los gatos, que en una vida anterior había sido una sádica bruja.
¿Por qué la he escogido?: ya lo he dicho, siempre estoy viendo películas de terror (aunque he intentado para este reto coger pocas, por eso de dar variedad y darle un toque de más reto aun) así que está que se estrenó en los 90 (año de mi nacimiento) era la ideal porque juntaba a dos tíos que me encantan, Romero y Argento.
Lo mejor: son dos historias bastante entretenidas, que aun con carencias, se complementan bastante bien entre ellas. La de Romero (la primera, la de Valdemar) está más lograda a nivel argumental y de desarrollo. Y la de Argento (la segundo, del gato) es más loca (es que es Argento… y aun así, para ser él… pero claro, basándose en Poe era normal) y violenta. Los dos imprimen su sello personal en ambas historias y se nota (y se agradece, es interesante ver como cada uno se lleva a su terreno a Poe).
Todos los actores están bien, pero mención especial al gran Harvey Keitel.
Los cameos de Romero y Argento (uno actuando y el otro en retratos), son un puntazo.
Lo peor: es una cinta menor, no llega a mucho, ni sus historias se te quedarán después de verlas…
Conclusiones: no serán las mejores adaptaciones de las obras de Poe, pero son entretenidas. La película tiene esa aura especial que le imprime el haber sido dirigidas por dos importantes directores del cine de terror (americano e italiano) que muestran sus estilos personales en la obra de Poe.
Un film que merece ser rescatado y que sus fans disfrutarán.
- Una película con un triángulo amoroso: “Vidas rebeldes”
Vidas rebeldes
(The Misfits)
EEUU, 1961; Duración: 124 min., Director: John Huston, Guion: Arthur Miller, Música: Alex North, Reparto: Clark Gable, Marilyn Monroe, Montgomery Clift, Eli Wallach, Thelma Ritter, Estelle Winwood, James Barton, Kevin McCarthy.
Género: drama.
Sinopsis: Roslyn Tabor (Marilyn Monroe), una joven que llega a Reno (Nevada) para divorciarse, conoce a un viejo vaquero (Clark Gable) y decide quedarse unos días en su cabaña. Poco después, él encuentra en las montañas una manada de caballos salvajes y decide capturarlos para vender la carne, contando con la ayuda de un vaquero especialista en rodeos (Montgomery Clift).
¿Por qué la he escogido?: por Eli Wallach, por supuesto. Estoy intentando terminar de ver toda su filmografía porque es un actor que me encanta. Lástima que fuese casi siempre un secundario de lujo… lo bueno es que fue muy prolífico.
Y más que triángulo amoroso es un cuartero (Gable, Clift y Wallach detrás de Monroe), pero lo aceptamos, ¿no?
Lo mejor: tiene un reparto increíble que lucha por destacar en toda escena. Yo me quedo con mi querido Wallach, que está brillante. Pero los pesos pesados de Clark Gable, Marilyn Monroe y Montgomery Clift están ahí y lo hacen muy bien. Bueno, menos Monroe, que no es que lo haga mal, si no que hace lo de siempre en ella…
Siempre me ha gustado mucho las películas que nos hablan de almas perdidas e inadaptadas, de esos fracasados que luchan por dejar de llevar esa etiqueta y sobrevivir en un entorno que les es ya hostil.
Lo peor: dicen que Monroe aquí demostró que no era la tontita guapa de siempre, pero que queréis que os diga, a mí me lo sigue pareciendo…
Ver la película y saber que, excepto para Eli Wallach, resultó la última película de Monroe, y de Gable (ambos murieron al poco) y casi que también la de Clift, que sufrió su gran accidente y posterior declive de su carrera después de esto… menos mal que a Wallach sí que le quedaba muchísima cuerda aun.
Conclusiones: sólo por su gran trabajo actoral ya vale la pena verla y si encima te gustan los retratos de un grupo de inadaptados, te encantará, porque la historia está contada de lujo. A mi desde luego, me ha gustado mucho y la recomiendo.
- Una película ambientada en el futuro: “Starship Troopers (Las brigadas del espacio)”
Starship Troopers. Las brigadas del espacio
(Starship Troopers)
EEUU, 1997; Duración: 129 min., Director: Paul Verhoeven, Guion: Edward Neumeier (Novela: Robert Henlein), Música: Basil Poledouris, Reparto: Casper Van Dien, Dina Meyer, Denise Richards, Michael Ironside, Jake Busey, Clancy Brown, Neil Patrick Harris, Patrick Muldoon.
Premios:
1997: Nominada al Oscar: Mejores efectos visuales.
Género: ciencia-ficción, fantástico, acción, sátira.
Sinopsis: En una sociedad futura, se arenga a los estudiantes para que se alisten en el ejército y se conviertan en ciudadanos. Johnny Rico se alista para seguir a su novia, pero acabará participando en una cruenta guerra contra los insectos del planeta Klendathu, tras la muerte de sus padres a causa de un meteoro lanzado por esos insectos contra su ciudad natal.
¿Por qué la he escogido?: me encanta la ciencia-ficción ochentera y noventera y este era un título que llevaba queriendo ver tiempo, así que aprovecho y la tacho de la lista ya.
Lo mejor: es muy, muy divertida. Como todas las cintas de Paul Verhoeven, te diviertes mucho con ellas y las disfrutas. Es larga pero se ve muy agusto. Con ese puntito de sátira que tiene (el director siempre lo usa), su ciencia-ficción loca y sus escenas de acción muy chulas (en aquella época eran todo un prodigio, ¡eh!). Los FX son muy buenos. La verdad es que es totalmente de Verhoeven y como a mi este tío me molan como lleva sus cintas…
El guion es genial y su crítica/parodia al fascismo y a películas de ese estilo (súper macho salvando a su patria) es obvio. Y me encantan las películas que lo hacen.
Lo peor: El apartado actoral no es su punto fuerte… se dejan ver, pero son tan tontos que duele (creo que era la idea, pero…).
Obviamente, los efectos especiales vistos a día de hoy ya no son lo mismo que entonces… pero aun así siguen molando (ya sabéis que yo soy muy fan de lo arcaico). Pero digo esto para los que no les gusta ver efectos especiales viejunos.
Conclusiones: muy recomendable, en especial si disfrutas con el cine de Paul Verhoeven y esta aun no la habías visto.
Y no sabía yo que habían hecho dos secuelas (que parecen horribles) ya sin Verhoeven al mando y una cinta de animación japonesa…
- Una película situada en un instituto: “Detention of the Dead”
Detention of the Dead
EEUU, 2012; Duración: 90 min., Director: Alex Craig Mann, Guion: Alex Craig Mann, Música: Cody Westheimer, Reparto: Jacob Zachar, Alexa Nikolas, Christa B. Allen, Jayson Blair, Justin Chon, Max Adler, Joseph Porter, Michele Messmer, Adam DeFilippi, Bernie Allemon
Género: terror, comedia de terror.
Sinopsis: Un grupo de excéntricos estudiantes de secundaria se encuentran atrapados en el aula de castigo cuando sus compañeros se convierten en una horda de zombis hambrientos.
¿Por qué la he escogido?: odio los dramas románticos y odio las películas situadas en institutos. Ya sufrí en la anterior categoría tragándome “El diario de Noa”, así que aquí me lo llevé un poco a mi terreno y metí zombis a la ecuación, para que se haga más llevadero… ¡algún estúpido adolescente morirá!, ¿no?
Lo mejor: es corta y mueren adolescentes.
Lo peor: todo, es mala de cojones. Empezando por actores pésimos (a los que se les ve el micro bajo la ropa en ocasiones), ni los secundarios saben hacer de zombis con dignidad, ya sé que parece una cosa fácil, el interpretar a un zombi, pues no lo es y a la vista está con esta peli.
Pero es que el resto también es malo… personajes típicos, insufribles y planos (animadora rubia tonta, un par de musculitos estúpidos, el empollón, la friki gótica y el asiático porrero y zumbado) y encima los efectos especiales son malos.
No sé si su intención era hacer una parodia, o burlarse de los tópicos del género, pero no les ha salido nada bien.
Conclusiones: alejaos de ella como lo haríais de la peste, no aporta nada, sólo sopor y sentimiento de pérdida de 90 min. de tú vida. Aunque podría haber sido peor si hubiese sido una de adolescentes sin zombis… pero es que ni esperando nada de ella, me ha defraudado y aburrido igualmente…
- Una película con un color en su título: “Cazador blanco, corazón negro”
Cazador blanco, corazón negro
(White Hunter, Black Heart)
EEUU, 1990; Duración: 110 min., Director: Clint Eastwood, Guion: Burt Kennedy, Peter Viertel, James Bridges (Novela: Peter Viertel), Música: Lennie Niehaus, Reparto: Clint Eastwood, Jeff Fahey, George Dzundza, Alun Armstrong, Marisa Berenson, Timothy Spall, Charlotte Cornwell, Boy Mathias Chuma, Mel Martin, Clive Mantle.
Premios:
1990: Festival de Cannes: Nominada a la Palma de Oro (mejor película).
Género: aventuras, drama, cine dentro de cine.
Sinopsis: Crónica de los diversos avatares que precedieron al rodaje de "La reina de África", de John Huston. El director viajó a África con el pretexto de localizar los exteriores, pero, una vez allí, para desesperación del productor y el resto del equipo, resultó que su único y verdadero objetivo era cazar un elefante.
¿Por qué la he escogido?: al azar, buscando colores en el buscador de películas de Filmaffinity… y oye, esta me pareció muy interesante.
Lo mejor: es una anécdota muy curiosa sobre el rodaje de “La reina de África”, con esta película conoces un poco sobre cómo se inició el rodaje de la película y también sobre cómo era John Huston.
Tiene muy buenas interpretaciones, geniales Eastwood y Fahey. Pero también la fotografía y la ambientación.
El guion tiene muy buenos puntos, como el de la defensa de los animales (aunque trate sobre la caza, lo hace con un punto de vista ecologista realmente, recalcando en todo momento lo malo de la caza por mucho que el protagonista la adorase), e incluso a las personas, en este caso, a los negros y a los judíos (aunque todo muy a lo Eastwood, es decir, a hostias).
Lo peor: que después de verla, acabas odiando a John Huston (y a Clint Eastwood por interpretarlo). A mí eso de ser cazador y empeñarse en ir a África sólo por cazar al elefante más grande, y llevarte su cabeza y colmillos a casa, me parece de gilipollas. Soy incapaz de comprenderlo, y por la tanto de empatizar.
Me pareció muy larga para una historia tan simple (prácticamente una anécdota, en la que de paso, nos cuenta un poco como era personalmente el señor Huston), como es la ambición del hombre blanco por ir a África a matar animales. En este caso, mera excusa de un director por buscar localizaciones para una película y así hacer lo que realmente quería, cazar (y beber).
Nunca terminas de meterte en situación y creerte que Eastwood es John Huston (¡ni se parecen!), ni que realmente vayan a grabar “La reina de África”… pero esto es algo que suele pasar con este tipo de películas.
Conclusiones: resulta una película que no tiene nada especial realmente, pero funciona como anécdota, si el tema te interesa aunque sea un poco. Y poco más que añadir sobre ella...
- Una película que te haya hecho llorar: “Cowboy de medianoche”
Cowboy de medianoche
(Midnight Cowboy)
EEUU, 1969; Duración: 113 min., Director: John Schlesinger, Guion: Waldo Salt (Novela: James Leo Herlihy), Música: John Barry, Reparto: Dustin Hoffman, Jon Voight, Brenda Vaccaro, Sylvia Miles, John McGiver, Ruth White, Bob Balaban, Barnard Hughes.
Premios:
1969: 3 Oscars: Mejor película, director, guion adaptado. 7 nominaciones.
1969: Globos de Oro: Nueva promesa masculina (Jon Voight). 7 nominaciones.
1969: Premios BAFTA: Mejor película.
1969: Círculo de críticos de Nueva York: Mejor actor (Jon Voight).
1969: Festival de Berlín: Premio OCIC.
1969: Premios David di Donatello: Mejor director y actor extranjero (Hoffman).
Género: drama.
Sinopsis: Soñando con el éxito como cowboy de exhibición, el joven e ingenuo tejano Joe Buck se traslada a Nueva York, donde comienza a trabajar como gigoló seduciendo a mujeres maduras de Manhattan. Joe pronto descubre que ese mundo no es como él se imaginaba, pero antes conoce a Rico "Ratso" Rizzo, un timador que lo quiere estafar.
¿Por qué la he escogido?:¿a quién no le hace llorar la muerte de Rizzo (Hoffman) en el autobús mientras suena ese ‘Everybody's Talking’? Pues eso…
Lo mejor: todo, los personajes de Voight y Hoffman son geniales y carismáticos. Uno es bueno e inocente y se cree que todo le saldrá bien y el otro está ya muy tocado por la vida, es bastante cínico y sobrevive como puede. Y los actores bordan sus papeles, de lo mejorcito de ambos.
Pero además de sus actores, la historia es preciosa y triste a la vez y cuenta con una gran BSO. El sueño americano no es lo que nos cuentan…
Lo peor: nada.
Conclusiones: preciosa, es una de esas películas que hay que ver, aunque su final siempre de ganas de llorar. No hay mucho más que añadir sobre ella. Excepto que al verla no podía parar de recordar el capítulo de "Futurama"en el que la parodian... ¡Zapp Branigan es clavadito a Voight! :P
- Un musical: “El fantasma del paraíso”.
El fantasma del paraíso
(Phantom of the Paradise)
EEUU, 1974; Duración: 92 min., Director: Brian De Palma, Guion: Brian De Palma, Música: Paul Williams, Reparto: Paul Williams, Jessica Harper, William Finley, George Memmoli, Gerrit Graham, Archie Hahn, Jeffrey Comanor, Peter Elbling, Janus Blythe.
Premios:
1974: Nominada al Oscar: Mejor canción original de la BSO.
1974: Globos de Oro: Nominada Mejor banda sonora original.
Género: musical, terror.
Sinopsis: Paul Williams escribió la partitura de este clásico del cine musical de terror, en el cual participa interpretando el papel del malvado magnate de la música perseguido por un compositor desfigurado al que mete en prisión para robarle sus composiciones. Una vez en libertad, el fantasma se enamora de la nueva estrella de la canción promocionada por el magnate, comenzando así su particular venganza.
¿Por qué la he escogido?: casualidad, la vi y me llamó la atención. ¿Un musical de Brian De Palma? Eso tenía que verlo…
Lo mejor: la locura de su protagonista y su look de asesino de giallo sententero. Además, el actor (William Finley) está francamente bien en su papel.
Su historia digamos que es “El fantasma de la ópera” se lía con “El retrato de Dorian Gray” y conoce “Fausto”, y me gustó por esa locura al mezclarlo todo. Y estéticamente también destaca, aunque sea todo muy hippy-glam, con toque oscuro y cutrecillo.
Tiene puntos buenos, mezclando el terror con el humor. Y una crítica a las discográficas y el maltrato y abuso a los cantantes y su propiedad intelectual.
Lo peor: a pesar de ser corta, se me hizo larga y un poco aburrida.
Las canciones no me gustaron ni se me quedaron, lo que también influía en que cada vez que cantaban desconectase y empezase a aburrirme… pero yo no soy muy fan de los musicales y me cuesta horrores engancharme a sus canciones (salvo unas pocas, y honrosas, excepciones).
Como la mayoría de cintas setenteras, ha envejecido un poco mal, siendo demasiado desfasada en su estética colorida y extravagante, todo muy hippy fumado. Aunque es algo que no molesta demasiado por la propia naturaleza de la película.
Conclusiones: musical bizarro que no me convenció… justamente lo elegí por ser raro, para ver si congeniábamos, pero no fue así. No es que esté mal, es interesante, pero no me convenció del todo. Esperaba más de Brian de Palma, sigo prefiriendo sus cintas de mafiosos (si son con Al Pacino, mejor), eso sí que es de 10.
- Una película basada en una novela gráfica: “Timecop, policía en el tiempo”
Timecop, policía en el tiempo
(Timecop)
EEUU, 1994; Duración: 98 min., Director: Peter Hyams, Guion: Mark Verheiden (Cómic: Mike Richardson), Música: Mark Isham, Reparto: Jean-Claude Van Damme, Mia Sara, Ron Silver, Bruce McGill, Gloria Reuben, Scott Bellis, Jason Schombing.
Premios:
1994: Festival de Sitges: Sección oficial largometrajes a concurso.
Género: ciencia-ficción, fantástico, acción, viajes en el tiempo.
Sinopsis: En un mundo futuro, en el que es posible viajar al pasado, se ha creado la Comisión de Control del Tiempo, cuya función consiste en impedir la alteración de hechos que cambiarían el curso de la historia. Walker, un agente de policía que diez años antes perdió a su mujer en un ataque criminal, regresa al pasado para rescatarla y acabar con el ambicioso senador McComb.
¿Por qué la he escogido?: no soy yo muy de novelas gráficas, así que buscando en Internet vi que esta película estaba basada en una. Además, es una de las más famosas de Van Damme y aun no la había visto (y a mí el señor Van Damme me mola bastante), así que fue la elegida.
Lo mejor: es entretenida, cortita de duración y Van Damme está muy bueno, ingredientes suficientes para pasar un rato entretenido.
Da al espectador lo que quiere, grandes dosis de acción, efectos especiales (para la época estaba bien) y ‘happy endings’ para nuestro querido Van Damme.
Lo peor: no es nada del otro mundo, es previsible en todo momento y Van Damme sigue sin ser el mejor actor.
Así que es la típica película de Van Damme, que gustará a los que disfrutan de este tipo de pelis, que se ven, divierten y se olvidan.
Conclusiones: es la típica película de Van Damme en todos los sentidos, no ofrece nada nuevo, ni diferente, simplemente lo de siempre (aunque esta tiene un puntito más original por contar con viajes en el tiempo para perpetrar las venganzas de Van Damme). Cinta para los que las disfrutamos y ya está.
